Os filmes do Oscar: PARASITA (6 indicações)

Por Ricky Nobre 

O TEXTO PODE CONTER SPOILERS LEVES

Em nosso vídeo do Chá das 5, aqui no Alcateia, quando falávamos sobre nossos filmes preferidos de 2019, comentei rapidamente sobre algo que me chamou a atenção. Três filmes, de origens e estilos totalmente diferentes, lidavam com basicamente o mesmo tema: o abandono das classes pobres e marginalizadas em geral. Desta forma, o norte-americano Coringa, o sul-coreano Parasita e o brasileiro Bacurau formariam uma acidental e inesperada “trilogia do abandono”. Mas o que levaria artistas de países de realidades socioeconômicas tão diversas a sentirem a urgência em tratar dos mesmos temas? No apagar das luzes da segunda década do século XXI, a desigualdade social e o abandono dos marginalizados se mostram, de fato, um fenômeno global, seja na mais poderosa nação do planeta, numa das economias mais prósperas do mundo, ou em um dos maiores e mais culturalmente ricos países da América Latina. 

 

Assim como Coringa se concentra no indivíduo e Bacurau na comunidade, Parasita se concentra na família. Apesar de serem três filmes inteligentes e ricos, Parasita se mostra o de leitura mais complexa e multifacetada. É tão repleto de simbologias que o próprio diretor e roteirista Bong Joon Ho brinca com isso ao mostrar o jovem Ki-woo repetindo em várias ocasiões: “Nossa, isso é tão metafórico!”. Apenas a escolha do título já é objeto de horas de discussão sobre quem é o parasita na história: a família Kim, empobrecida, que vai se inserindo na casa da família Park, utilizando-se de métodos que são, no mínimo, antiéticos ou, até mesmo, criminosos? Seria Geun-se, escondido nas profundezas, invisibilizado ao extremo e vivendo dos restos? Seria a família Park, rica, concentradora de riqueza, que vive numa bolha e percebe pobres pelo cheiro? Seria, então, uma cadeia parasitária, onde cada grupo a exerce como forma de sobrevivência e/ou dominação?

 

A identidade cinematográfica de Parasita não é estranha para quem está mais familiarizado com o cinema sul-coreano, onde a mistura/fusão/desconstrução de gêneros não é incomum. Aqui, sua primeira metade é, primordialmente, uma comédia, onde o talento trambiqueiro da família Kim diverte o público quanto mais elaborados são os esquemas para inserir cada membro da família na folha de pagamento dos Park. De uma hora para outra, numa descida tensa, vertiginosa e sinistra aos subterrâneos, acompanhada por uma orquestra atonal e assustadora, nos deparamos com um suspense e, mais adiante, desastres naturais trazem drama e tragédia para, próximo à conclusão, sermos surpreendidos com elementos de terror, fechando o filme com desesperança e melancolia.

 

A movimentação vertical dos personagens traz a óbvia metáfora da pirâmide de classes, com os Park no topo, ricos e plenos, os Kim em sua residência que é metade abaixo e metade acima do solo (mas com o vaso sanitário ao nível da rua, sugerindo que eles vivem abaixo do esgoto, como ficará claro mais adiante) e Geun-se exilado no subsolo, na extrema pobreza. Bong Joon Ho admitiu sua inspiração nos dramas ingleses onde, nas grandes mansões, as longas escadarias separavam os donos ricos da criadagem. 

 

O filme evita como se fosse uma praga o simplismo maniqueísta dos pobres bons e ricos maus. Na maior parte do tempo, vemos a família Kim atacando, em benefício próprio direto ou por medo, pessoas de posição socioeconômica semelhante ou inferior a deles, enquanto os Park ignoram a todos, enxergando apenas a utilidade imediata que os trabalhadores podem ter a eles, se tanto. O desfecho trágico, onde o patriarca dos Kim atinge o limite suportável de humilhação, sugere que até aquele momento eles estavam escolhendo os inimigos errados em nome da sobrevivência. As duas famílias mais pobres saem devastadas, enquanto a rica sai com alguns arranhões. A luta de classes, foco central do filme, é fruto da desigualdade, e comportamentos violentos e criminosos dos oprimidos, ainda que não desculpáveis, são vistos como frutos dessa desigualdade, da invisibilização e do abandono. 

 

O final é de uma melancolia devastadora, onde, mesmo com a conclusão do pai de que o melhor plano é não ter plano, pois o acaso e sua condição social não permitem tal luxo, o jovem Ki-woo ainda planeja ascensão social, dentro da moral e da legalidade, para poder devolver alguma felicidade e união à família. Da forma como foi construído, é um final dúbio para alguns, mas bastante direto e claro para outros. 

 

Parasita tem um elenco perfeito, montagem primorosa e é bem escrito a tal nível que ainda que todas essas simbologias e metáforas escapem completamente ao espectador, ele ainda tem uma história hilária, empolgante, trágica e horripilante para se deslumbrar. Uma obra verdadeiramente provocadora e brilhante que arrebata admiradores das mais variadas nações e culturas, da mesma forma que Coringa se tornou o filme baseado em quadrinhos mais lucrativo da história e Bacurau um dos filmes brasileiros de maior repercussão no mundo recentemente. A desigualdade e o abandono crescem desenfreadamente mundo afora. E as pessoas estão começando a se dar conta. E numa constatação inegável e assustadora, percebemos que, nos três filmes, a consequência direta da desigualdade é a violência.

 

 

COTAÇÃO:

 
INDICAÇÕES AO OSCAR

Melhor filme

Melhor filme estrangeiro

Diretor: Bong Joon Ho   

Roteiro original: Bong Joon Ho e Jin Won Han

Direção de arte: Ha-jun Lee e Won-woo Cho

Montagem: Jinmo Yang

PARASITA (Gisaengchung, 2019)

Com: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo, Woo-sik Choi, So-dam Park, Jeong-eun Lee, Hye-jin Jang, Ji-so  Jung e Myeong-hoon Park.

Direção: Bong Joon Ho

Roteiro original: Bong Joon Ho e Jin Won Han

Fotografia: Kyung-pyo Hong

Montagem: Jinmo Yang

Música: Jaeil Jung

Direção de arte: Ha-jun Lee e Won-woo Cho

Os filmes do Oscar: 1917 (10 indicações)

Por Ricky Nobre

A obsessão do cinema (não apenas hollywoodiano) pela Segunda Guerra Mundial gerou incontáveis filmes sobre o assunto, nas mais variadas abordagens, pontos de vista, aspectos, detalhes e histórias. Mas a Primeira Guerra é assunto raro e seu filme mais significativo talvez ainda seja Nada de Novo no Front, realizado a nada menos que 90 anos. O novo filme de Sam Mendes, que é um dos favoritos para este Oscar, não explora a política, as estratégias, nem os grandes fatos históricos ligados ao conflito que durou de 1914 a 1918. Seu foco é na jornada de dois cabos do exército britânico que precisam atravessar o território inimigo numa missão suicida, com o objetivo de impedir um ataque que pode resultar no massacre de 1600 soldados. 

 

O grande triunfo cinematográfico de 1917, que é também seu principal instrumento de marketing, é sua proposta estética e narrativa extremamente ambiciosa: sua apresentação em dois únicos e enormes planos-sequência. Tecnicamente, isso foi conquistado graças a nada menos que 6 meses de ensaios, tanto com atores, não apenas para que todas as marcações estivessem exatas, mas também para que a produção soubesse exatamente qual a extensão dos trajetos percorridos para só então construir os cenários complexos, principalmente as trincheiras, que deveriam ter as dimensões exatas; mas também com pequenas maquetes dos cenários para que a equipe pudesse prever as variações de luz e planejar os movimentos de câmera. A partir daí, trechos curtos de até 39 segundos, até longos como até 8 minutos contínuos foram costurados com transições digitais que escondiam com perfeição todas as emendas, dando a sensação perfeita de uma única tomada. 

 

Mais do que um desafio técnico, essa escolha nos coloca junto com os dois protagonistas numa jornada verdadeiramente assustadora. Enquanto a câmera se move junto com os dois, vamos descobrindo o terreno junto com eles, as surpresas, os obstáculos, as crateras, os cadáveres, as armadilhas, os aliados e os inimigos. Tudo vai se revelando para nós ao mesmo tempo que para eles, e a ausência de corte (no sentido clássico) dá a perfeita sensação de tempo real. A urgência da missão, o tempo que transcorre, os perigos, as tragédias, o desespero e, acima de tudo, a absoluta exaustão são sentidas pelo público com exatidão. 

 

Na jornada, os protagonistas vão viajando pela insanidade da guerra, onde boas ações são muitas vezes severamente punidas, mas onde, ainda assim, há espaço para empatia, altruísmo, ternura e heroísmo. O senso de dever, a promessa feita, são combustíveis que levam ao limite da resistência humana. Mendes baseou o roteiro, que é o primeiro que ele próprio assina, nas histórias contadas por seu avô, que foi combatente e entrou no conflito com meros 17 anos. As histórias dele mesmo e de diversos companheiros foram costuradas, dando origem à aventura dos protagonistas. 

 

Alguns detalhes podem não funcionar à perfeição ou deixar uma impressão não tão boa, dependendo de quem vê. A câmera é extremamente inteligente ao se movimentar, hora por trás, em volta, deslizando suavemente ao lado ou por cima dos personagens. Mas trechos mais longos em que a câmera segue os atores por trás pode lembrar excessivamente vídeo games de guerra em primeira pessoa. Por vezes, a forma como a câmera precisa captar não só a ação mas todo o entorno, dando conta de muita informação, pode acabar deixando-a excessivamente distante dos rostos dos atores, diminuindo nossa proximidade emocional com eles, ainda que permaneçamos imersos na grandiosidade e loucura do ambiente. 

 

Alguns desses espaços emocionais deixados pela distância dos atores são preenchidos pela música de Thomas Newman, colaborador de Mendes durante toda sua carreira. A partitura de Newman vai desde a música ambiente mais plana, padrão e tediosa até as composições mais emocionantes, seja elas delicadas ou grandiosas. Em alguns momentos, uma instrumentação mais moderna pode tirar um pouco da imersão na época em que a ação se passa, dependendo da sensibilidade do espectador. Mesmo assim, é mais um belo trabalho de uma longa parceria. 

 

1917 é um feito cinematográfico absolutamente triunfante, um desafio técnico aparentemente impossível, realizado com grande sensibilidade artística. É ainda um monumento ao talento de Roger Deakins, talvez o melhor fotógrafo de cinema vivo, que é o principal responsável por tornar possível o delírio imaginado por Sam Mendes. Muitos acreditam que o filme todo concebido como “Oscar bait”, e talvez realmente seja. Mas se ele foi feito como isca de Oscar, ainda sim é uma obra sólida e impressionante que já está no rol dos grandes filmes de guerra já feitos.

 

COTAÇÃO:

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Melhor filme:

Direção: Sam Mendes

Roteiro original: Sam Mendes e Krysty Wilson-Cairns

Fotografia: Roger Deakins

Música original: Thomas Newman

Edição de som: Oliver Tarney e Rachael Tate

Mixagem de som: Mark Taylor e Stuart Wilson

Direção de arte: Dennis Gassner e Lee Sandales

Maquiagem: Naomi Donne, Tristan Versluis e Rebecca Cole

Efeitos visuais: Guillaume Rocheron, Greg Butler e Dominic Tuohy

1917 (2019)

Com: Dean-Charles Chapman, George MacKay, Colin Firth, Mark Strong, Claire Duburcq e Benedict Cumberbatch

Direção: Sam Mendes

Roteiro: Sam Mendes e Krysty Wilson-Cairns

Fotografia: Roger Deakins

Montagem: Lee Smith

Música: Thomas Newman

Design de produção: Dennis Gassner

AVES DE RAPINA: ARLEQUINA E SUA EMANCIPAÇÃO FANTABULOSA

Por Ricky Nobre

A Warner/DC segue vivendo um filme de cada vez. Após a experiência em universo compartilhado de qualidade duvidosa, com fãs e haters, que culminou no desastre financeiro de Liga da Justiça, o estúdio continuou fazendo filmes dentro do universo, porém sem uma ligação forte entre eles. O resultado foram filmes como Aquaman e Shazam que agradaram bastante e o sucesso mastodôntico de Coringa, história alternativa fora do DCEU. No desenvolve-cancela sem fim de diversos projetos da DC, surgiu este Aves de Rapina, que inicialmente seria uma junção de dois projetos cancelados: Aves de Rapina e Coringa & Arlequina. Com o monstro bizarro que foi Esquadrão Suicida, um enorme sucesso de bilheteria que ninguém gosta, nessa ânsia em produzir qualquer conteúdo que envolvesse a Arlequina de Margot Robbie, a única unanimidade positiva de Esquadrão, era muito possível que a DC metesse os pés pelas mãos. 

 

Mas, filme a filme, a Warner vai aprendendo a contratar os profissionais certos para cada projeto. Dirigido por Cathy Yan, escrito por Christina Hodson e produzido pela própria Margot Robbie, o filme cujo título se traduziria mais adequadamente como “Aves de Rapina e A Fantabulosa Emancipação da Tal Arlequina” é uma grande surpresa que desenvolve e explora o tom exato de narrativa, estética e personagens. Sim, ele é, antes de tudo, um filme da Arlequina, e isso se estabelece com o fato de que é ela que narra toda a história e também, de certa forma, a quem quase todos os demais personagens perseguem. Junto com a narração da protagonista, temos uma estrutura de flashbacks aparentemente caótica, mas que, na verdade, é muito bem explicada e não deixa o espectador se perder em momento algum e dá uma dinâmica incrível à história, o que lembra muito o cinema de Guy Ritchie (quando ele fazia filme bom, lembram?). 

 

Yan mantém uma dinâmica de jogo de gato e rato, onde sempre alguém persegue alguém, com lutas constantes e muito bem coreografadas. A forma como Arlequina narra a história tem um tom de cartum e é muito curioso como o filme mantém uma leveza juvenil (no melhor dos sentidos) enquanto tem toneladas de palavrões e um tanto mais de violência, embora essa não seja tão constante e sangrenta quanto em Deadpool, por exemplo. O resultado é empolgante, hilário e divertidíssimo. 

 

Quanto às demais personagens, as Aves de Rapina, elas até que tem boa presença na história, ainda que não sejam protagonistas do filme leva seu nome. A Canário Negro talvez seja a melhor das “aves”, ainda que não haja nenhum flashback para sua história pessoal, ela é bem desenvolvida a partir de suas ações na história, de tudo que ela é obrigada a fingir que não vê e do ponto onde ela decide não ser mais complacente. O Máscara Negra de McGregor é exatamente o que o filme precisava e o ator consegue o equilíbrio exato de psicopatia perturbadora e vilania camp.

 

Nem tudo é perfeito, porém. Apesar de, no filme em si, a personagem de Cassandra Cain ser ótima, ela não tem rigorosamente NADA a ver com a Cassandra das HQs, uma assassina atlética que acabou se tornando Batgirl depois de Barbara Gordon. Lembra muito a Moira McTarget dos prequels de X-Men, onde transformaram uma geneticista em agente da CIA, sem nenhum traço de personalidade da original. Outra questão é a Caçadora, que começa muito bem inserida na narrativa, porém acaba com muito pouco tempo de tela e com um humor associado a ela que não combina muito bem com a personagem, sendo, talvez, a maior decepção, pois o potencial era excelente.

 

Como não podia deixar de ser, o filme tem uma temática feminina forte e em diversos momentos vemos como as personagens são vítimas de machismo, sendo assédio, violência, possessividade, apagamento ou desvantagem profissional. Alguns podem achar exagerado e simplista a forma como o terceiro ato mostra todas as heroínas mulheres contra todos os vilões homens da luta final, mas talvez essa seja a forma da diretora Yan, da roteirista Hodson e da produtora Robbie dizerem que é assim que a maioria das mulheres se sentem a maior parte do tempo. 

 

É sempre problemático quando um vilão é protagonista, pois é uma corda-bamba onde a vilania do personagem é sempre suavizada para se adequar à esperada simpatia do público. O roteiro lida com isso com esperteza ao, em momentos chave, nos lembrar que Arlequina não é heroína e faz escolhas duvidosas. E se isso funciona à perfeição, é graças também e principalmente à gigante que é Margot Robbie. Não é surpresa que a Warner queira espremer a personagem em qualquer lugar que conseguir, à exemplo de Wolverine na franquia mutante da Fox e Tony Stark no MCU. Em breve, teremos o soft reboot do Esquadrão nas mãos de James Gunn e boatos dão conta de que, caso Aves de Rapina tenha sucesso, duas sequências já estão em desenvolvimento: Sereias de Gotham e Aves de Rapina vs Sereias de Gotham. E se a palhaça maluquinha parece ser a nova mina de ouro da DC, é pertinente a comparação com Wolverine e Stark: os três tem atores absolutamente perfeitos para os personagens. 

 

Sendo um filme de quadrinhos R-rated (classificação 17 anos) o estúdio segurou um pouco o orçamento, mas mesmo assim aumentou dos 75 milhões inicias para 97 milhões. E mesmo que filmes com essa classificação etária não rendam tanto nas bilheterias, o recente Coringa provou que eles podem passar de um bilhão de arrecadação. Não seria surpresa se Aves de Rapina repetisse a façanha e a DC volte a acertar como vem acertando recentemente. Um filme de cada vez.

 COTAÇÃO:

AVES DE RAPINA: ARLEQUINA E SUA EMANCIPAÇÃO FANTABULOSA [Birds of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn), 2020]

Com: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Perez, Chris Messina, Ella Jay Basco, Ali Wong e Ewan McGregor

Direção: Cathy Yan

Roteiro: Christina Hodson

Fotografia: Matthew Libatique

Montagem: Jay Cassidy e Evan Schiff

Música: Daniel Pemberton