Os filmes do Oscar: A FILHA PERDIDA – 3 indicações

Por Ricky Nobre

A adaptação para cinema de uma obra literária que se compõe mais de reflexões do narrador do que da narração de uma sequência de fatos é particularmente difícil. Da mesma forma que, em plena terceira década do século XXI, também é difícil a apresentação de protagonistas com algum tipo de moral duvidosa, fora de algum padrão, desviando de alguma “normalidade”, principalmente se for feminina e não houver, em algum momento do roteiro, uma punição externa por seus desvios. E mais ainda se esta personagem se desvia do sagrado e inquestionável caminho da maternidade abnegada. Em sua estreia na direção cinematográfica, a atriz Maggie Gyllenhaal definitivamente não escolheu a facilidade. 

Leda é uma professora universitária em férias na Grécia. Sua personalidade reclusa encaixa-se perfeitamente no cenário e na paz que encontra na praia próxima ao hotel. Essa paz é perturbada, porém, com a chegada de uma família extensa, espaçosa e barulhenta, com a qual Leda já inicia certa animosidade graças a sua voluntária falta de simpatia. Uma integrante dessa família, porém, captura a atenção sua atenção: Nina, uma jovem mãe na qual Leda vê um espelho que lhe traz memórias as quais não quer recordar, mas do qual não consegue tirar os olhos. Seus dias na cidade e as interações com as pessoas lhe trarão uma série de lembranças, principalmente de suas duas filhas e ela terá que lidar com segredos do passado e do presente.

 

Gyllenhaal desvenda a personagem Leda, sua história, seus segredos e caráter muito lentamente e de forma não linear. Vamos tomando conhecimento de suas atitudes e decisões de forma fragmentada, e quase pergunta alguma é respondida de imediato. Não há intenção de que Leda seja desvendada rapidamente. Ela é reclusa, irrita-se com as aproximações de quem pretende flertar ou apenas jogar conversa fora, para, em outro dia, ou momentos depois, ela própria fazer a mesma coisa. Tem memórias de profunda impaciência com as filhas e evita responder perguntas sobre elas, enquanto que, em outros momentos, fala sobre elas compulsivamente. É assombrada pela culpa de decisões passadas, ao mesmo tempo em que admite que tomá-las “foi maravilhoso”. Leda não é um mistério apenas para o público, mas também para si mesma. Por mais simples que seja para o espectador explicar os motivos do sumiço da boneca, ela mesma não faz a menor ideia do porquê ela fez o que fez. A nossa perspectiva sobre nós mesmos é única, e normalmente colide com as de quem nos observa. 

 

Gyllenhaal não teme o julgamento do público sobre a protagonista. Ao contrário, ele é convidado a observá-la bem de perto, com frequentes closes da câmera quase sempre na mão. A leveza da câmera usada (a Arri Mini), dá aos movimentos uma mobilidade semelhante a de uma câmera 16mm. Aliás, apesar do desejo da diretora em rodar o filme em película, o orçamento restrito não permitiu. A fotografia digital, porém, é extremamente bem concebida pela fotógrafa francesa Hélène Louvart, veterana que já trabalhou com Agnès Varda, Claire Denis e com o brasileiro Karim Aïnouz. A diretora constrói a estética de seu filme com muita informação do cinema europeu dos anos 50 e 60. O enquadramento é no formato 1,66:1, que foi comum na Europa até a década de 80. A inesperada música de Dickon Hinchliffe segue caminho semelhante a partir da concepção da diretora, que explicou ao compositor que queria que a trilha soasse como um “disco encontrado”, um velho LP com dos anos 50 ou 60 que, magicamente, se encaixaria perfeitamente no filme. A trilha de Hinchliffe, gravada com equipamentos e técnicas analógicas, mescla-se com as canções originais da artista grega Monike, formando uma tapeçaria sonora que adorna essa estética vintage de Gyllenhaal.

A diretora constrói sutilmente um clima de suspense (como quando a boneca parece ter sumido do armário, ou o medo que Leda tem do marido de Nina), sem que, em momento algum, o filme pareça pertencer a esse gênero. Esse suspense acompanha a inquietação do espectador em tentar descobrir, principalmente através dos flashbacks (muito bem costurados pela montagem do brasileiro Affonso Gonçalves), uma chave, um código capaz de desvendar Leda. Esse código vem aos pedaços, não é preciso nem matemático. Leda não é perfeitamente coerente, porque ninguém o é. Se Leda nos escandaliza em alguns momentos, talvez não reagíssemos assim se fosse um homem protagonista. Sua personagem não é exatamente “desculpada”, ou “justificada” pela narrativa e pelo roteiro. Ela apenas É. Ela sente, reage e vive como consegue frente aos desafios da vida e às imensas expectativas que se impõe a ela, que são as que se impõem a qualquer mulher. 

 

A interpretação sublime de Olivia Colman, com o perfeito complemento de Jessie Buckley que vive a Leda jovem, é onde tudo isso se converge e solidifica. As emoções, a culpa, a dúvida, a vergonha, o desejo de viver, a desilusão, tudo ganha vida no trabalho excepcional das atrizes. Sob aparente simplicidade, A Filha Perdida é um filme intensamente emocional, ainda que de uma emoção sufocada. O público reage com sentimentos que vão da revolta à profunda identificação, e essa disparidade é esperada, pois depende de como cada uma idealiza e vive a maternidade. Quando se idealiza a maternidade, ou seja, quando se idealiza uma mãe, idealiza-se também o filho. A filha perdida é aquela que desapareceu junto com a ilusão de uma maternidade ideal, “assassinada” pela filha de verdade. Leda tenta, desesperadamente, reavê-la no futuro. Mas não é possível sequestrar um sonho perdido.

 COTAÇÃO:

 

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Atriz: Olivia Colman

Atriz coadjuvante: Jessie Buckley

Roteiro adaptado: Maggie Gyllenhaal, baseado no livro de Elena Ferrante.

 

A FILHA PERDIDA (The Lost Daughter, EUA / Reino Unido / Israel / Grécia – 2021)

Com: Olivia Colman, Jessie Buckley, Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgaard, Paul Mescal e Dagmara Dominczyk.

Direção e roteiro: Maggie Gyllenhaal

Fotografia: Hélène Louvart

Montagem: Affonso Gonçalves

Música: Dickon Hinchliffe

Canções originais: Monika

Design de produção: Inbal Weinberg       

Os Filmes do Oscar: O DESTINO DE UMA NAÇÃO – seis indicações

Por Ricky Nobre

Winston Churchill é uma das figuras mais biografadas nas telas. Tanto no cinema quanto na TV, seja como protagonista ou como coadjuvante essencial em biografias de outros, Churchill foi recriado por grandes atores, alguns deles memoráveis. O enfoque geralmente é no papel primordial que teve no comando do Reino Unido durante a Segunda Guerra Mundial onde, até hoje, ressoa como um dos maiores líderes mundiais. Ano passado mesmo, Brian Cox o interpretou em um filme que passou completamente despercebido (Churchill, de Jonathan Teplitzky, que se concentra nos dias imediatamente anteriores à invasão da Normandia) e John Lithgow o interpreta atualmente na série Crown na Netflix, com rasgados elogios da crítica e público. O que trazer então de novo em mais um filme sobre o estadista?

 

O filme de Joe Wright se concentra no período de poucas semanas antes e depois de Churchill tomar posse como primeiro ministro. Num momento político delicadíssimo, os partidos conservador e trabalhista se digladiavam por conta da ameaça de uma guerra que podia ser devastadora para o Reino Unido e que já começava a se espalhar pela Europa. Defensor ardoroso da participação britânica no conflito, Churchill precisava considerar a possibilidade de um acordo de paz com Hitler antes que o pior acontecesse, entre as posições partidárias, o olhar severo do Rei, o desejo popular e sua própria teimosia.

 

Gary Oldman não é o primeiro nome que viria à cabeça para interpretar Churchill, e talvez boa parte do impacto que sua interpretação causa venha da surpresa do quão bem ele se sai. Para além da pesada maquiagem que torna Oldman irreconhecível, sua composição do personagem busca uma versão “humana” da lenda. Assim, vemos um homem repleto de manias, com um senso de humor mordaz, pouco tato para o trato social e com uma inabalável teimosia. O diretor Wright opta por utilizar a personagem da secretária Elizabeth Layton (Lily James) como um elo de ligação com o público, o “cidadão comum” que observa de perto momentos dramáticos da história mundial se desenrolando diante de si, ainda que a verdadeira Layton só tenha começado a trabalhar para Churchill um anos após os eventos apresentados no filme.

 

Apenas 15 dias após assumir como primeiro ministro, Churchill já enfrentava uma crise profunda, que já colocava em xeque sua competência para o cargo, que é a Força Expedicionária Britânica encurralada em Dunquerque. Aqui, vemos que O Destino de Uma Nação pode funcionar perfeitamente como um prequel de Dunkirk de Nolan, apesar da diferença radical no estilo dos dois filmes. Joe Wright escolhe um estilo de direção bastante sóbrio, sem qualquer novidade, tendo o personagem de Churchill como o motor de todo o filme. 

 

O Destino de Uma Nação, apesar da poderosa interpretação de Oldman, não apresenta novidades. Wright já demostrou muito mais talento e originalidade em filmes anteriores, principalmente no maravilhoso Desejo e Reparação. A indicação a melhor filme soa mais como um eco anti-Trump da Academia, como uma leitura do filme no sentido de como um líder, apesar de possuir uma personalidade complicada, é um líder de verdade ao ouvir seu povo e considerar o melhor para a nação que comanda. É claro que nessa tentativa de “humanização” da lenda, fica de fora seu histórico de racismo ao lidar com questões das colônias, o machismo ao ter se oposto ao voto feminino e a homofobia ao liderar a caça aos homossexuais que, inclusive, resultou na tragédia do herói de guerra Alan Tunning, cuja história foi narrada em O Jogo da Imitação. Verdades, para o filme de Wright, bastante inconvenientes.

 

 COTAÇÃO:

O DESTINO DE UMA NAÇÃO (The Darkest Hour, 2017)

Com: Gary Odlman, Kristin Scott Thomas, Ben Mendelsohn, Lily James, Ronald Pickup e Stephen Dillane

Direção: Joe Wright

Roteiro: Anthony McCarten

Fotografia: Bruno Delbonnel

Montagem: Valerio Bonelli

Música: Dario Marianelli

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Melhor filme

Ator: Gary Oldman

Fotografia: Bruno Delbonnel

Direção de arte: Sarah Greenwood e Katie Spencer

Maquiagem: David Malinowski, Lucy Sibbick e Kazuhiro Tsuji

Figurinos: Jacqueline Durran

Os Filmes do Oscar: TRAMA FANTASMA – seis indicações

Por Ricky Nobre

Paul Thomas Anderson é presença praticamente garantida no Oscar. Não deixa de ser curioso esse “crush” que a Academia tem pelo seu cinema que não é tão certinho e acessível quanto o que ela normalmente gosta. Porém, mesmo com as sucessivas indicações, o prêmio mesmo nunca chega. Ele é aquele cara legal mas diferentão com quem a Academia gosta de sair, mas não a ponto de se comprometer. Anderson também é garantia quase certa de um cinema refinado, poderoso, classudo e, geralmente, desconfortável. Depois do surpreendentemente ruim Vício Inerente, Trama Fantasma vem como um imenso alívio.

 

Na Londres dos anos 1950, o renomado estilista Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) veste artistas, a realeza e a alta-sociedade, tendo como aliada a irmã Cyril (Lesley Manville) no comando da confecção. Solteiro convicto, suas parceiras amorosas são descartadas assim que perdem o encanto. Ao conhecer a garçonete Alma (Vicky Krieps), ele a transforma em sua amante, musa e modelo, mas Alma terá que aprender como viver com a personalidade tirana dele, e ele como viver em um relacionamento amoroso de verdade. 

 

O grande tesouro de Trama Fantasma são os personagens e a capacidade de Anderson e do excelente elenco em nos manter constantemente ligados a eles, ainda que suas personalidades, caráter e escolhas possam nos parecer bastante duvidosos. Não que isso seja uma novidade no cinema do diretor, basta lembrar de filmes como Booggie Nights e Sangue Negro. Essa humanidade dos personagens, sublimes e falhos, amorosos e perversos, sustenta não apenas nosso interesse, mas é a alma do filme. Como era de se esperar, Daniel Day Lewis está sublime e, ao mesmo tempo em que se transforma no personagem, quase nos fazendo esquecer que se trata de um ator, também mantém aquele charme inconfundível, o olhar risonho e sedutor que já o havia rendido outra bela garçonete, a Juliette Binoche, em A Insustentável Leveza do Ser. Lewis tem um incrível talento em interpretar personagens que, mesmo que tenham personalidades reservadas, possuem egos gigantescos e o contraste com seus momentos de fragilidade são essenciais para compreender os rumos da história.

 

Igualmente perfeita está Vicky Krieps, ignorada pelo Oscar, que faz o caminho inverso do personagem de Lewis, pois começa pequenina, ao mesmo tempo deslumbrada e esmagada pela imensidão de Woodcock, e vai, discreta e irreversivelmente, se agigantando na trama. Lesley Manville está igualmente impecável como a irmã que não mede esforços para que o mundo inteiro se movimente exatamente conforme a conveniência do irmão gênio, cuja rotina exata e repleta de nuances é essencial para sua criatividade. Manville, inclusive, dá tons que se remetem, tanto em aparência quanto em essência, a Judith Anderson em Rebecca (1940) de Hitchcock. 

 

A recriação belíssima dos ambientes luxuosos dos anos 50 e os maravilhosos figurinos dignos de um gênio da época ganham a luz deslumbrante de uma fotografia que, escandalosamente, não recebe crédito. O próprio Anderson se propôs a iluminar o filme. Porém, nunca tendo atuado nesta função, recebeu a cada passo as opiniões e conselhos dos operadores de luz e de câmeras. Esse trabalho colaborativo entre o cineasta e os técnicos resultou em um belíssimo espetáculo, provavelmente a mais bela fotografia do ano, que, sem um responsável sindicalizado que assinasse o trabalho, ficou fora das indicações ao Oscar. Igualmente bela e assombrosa é a música de Jonny Greenwood, membro da banda Radiohead e compositor erudito (!!!) em sua quarta colaboração com Anderson, que, trabalhando basicamente com atonalidade e ocasionalmente com belos temas harmônicos, cria uma atmosfera de desequilíbrio e romantismo que é perfeita para o filme.

 

Entrar em detalhes de Trama Fantasma seria estragar suas assombrosas e desconfortáveis surpresas. O que se pode dizer é que o filme se sustenta brilhantemente como um estudo de um relacionamento doentiamente disfuncional onde os integrantes encontram harmonia e sincronicidade de formas inesperadas e até mesmo nefastas. Uma linda história de amor. 

 

 COTAÇÃO:

TRAMA FANTASMA (Phantom Thread, 2017)

Com: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Gina McKeem e Brian Gleeson

Roteiro e direção: Paul Thomas Anderson

Fotografia: Paul Thomas Anderson (não creditado)

Montagem: Dylan Tichenor

Música: Jonny Greenwood

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Melhor filme

Diretor: Paul Thomas Anderson

Ator: Daniel Day-Lewis

Atriz coadjuvante: Lesley Manville

Música original: Jonny Greenwood

Figurinos: Mark Bridges

Os Filmes do Oscar: ME CHAME PELO SEU NOME – quatro indicações

Por Ricky Nobre

O cinema de temática LGBT não é tão raro quanto se pensa. Todo ano no Festival do Rio, por exemplo, existe uma mostra de filmes com esse enfoque. É necessário, porém, ater-se ao cinema independente, pois fora dele a produção sobre o tema é de fato muito escassa. Vez ou outra, algum desses filmes quebra a barreira e atinge um público mais amplo. Com quatro indicações ao Oscar, Me Chame Pelo Seu Nome chega com um hype considerável, alavancado pelo grande sucesso do livro que o inspirou.

 

Numa vila do século XVII, ao norte da Itália, o jovem e introvertido Elio passa o verão às voltas com seu piano e música clássica, quando chega Oliver, um aluno de seu pai professor de arqueologia, para trabalhar como seu assistente durante as férias. Após certo estranhamento inicial, os dois passam cada vez mais tempo juntos até florescer um romance entre os dois. 

 

Nos dias de hoje, parece bastante relevante o “lugar de fala” onde um grupo específico fala por si. O fato de André Aciman, autor do livro original, ser hétero, assim como os atores principais Armie Hammer e Timothée Chalamet, é suficiente para lançar certa controvérsia sobre a “autenticidade gay” do filme. Ele, porém, passou por dois filtros mais do que relevantes: o do diretor Luca Guadagnino e do roteirista James Ivory, ambos homossexuais assumidos. Ivory, inclusive, que já abordou a homossexualidade na era vitoriana no belo Maurice (1988), era o mais cotado para dirigir o filme. Porém, beirando os 90 anos de idade, não possuía mais fôlego para tal, e a cadeira do diretor passou para Guadagnino.

 

Apesar da diferença entre os cinemas dos dois cineastas, o filme de Guadagnino tem o DNA de Ivory espalhado por todo canto. É como se estivéssemos vendo os velhos filmes repletos de beleza e elegância que a Merchant/Ivory costumava produzir nas décadas de 80 e 90. A belíssima fotografia no calmo cenário interiorano europeu constrói uma atmosfera onde até sofrer é algo a ser feito elegantemente.

 

Talvez um grande erro que se cometa ao se construir expectativas, ou mesmo ao “ler” o filme, é considerá-lo um exemplar de cinema gay, quando a história é sobre o romance de dois jovens evidentemente bissexuais. E Guadagnino claramente procurou contar uma história de amor sem qualquer contextualização social ou política das questões LGBT. Isolados no tempo e no espaço (uma cidadezinha no interior da Itália em 1983) Elio e Olive vivem uma paixão com data de validade, um típico amor de verão, e não há problematização maior disso além de um possível coração partido da moça com quem Elio se encontra.

 

É bastante curioso também o quanto que as cenas de sexo são comportadas. Guadagnino já foi muito mais explícito ao retratar sexo hétero em filmes como 100 Escovadas Antes de Dormir e Um Mergulho no Passado. Porém, quando surge a oportunidade de lidar com sexo gay, com o qual ele seria supostamente mais intimo, ele escolhe a discrição, suavidade e a sugestão. Não se sabe se ele achou que “pesou a mão” nos filmes anteriores, se tentou fazer um filme mais “amigável” para um público hétero mais vasto, ou se ele simplesmente achou que esse era o tom correto para a história que estava contando, apesar de tanto o livro de Aciman quanto o roteiro de Ivory conterem cenas de sexo bem menos comportadas que o diretor acabou cortando ou suavizando.

 

De fato, existe um comedimento geral em Me Chame Pelo Seu Nome. Nenhum dos dois protagonistas possui qualquer comportamento “afetado”, assim como mantêm uma “aparência hétero” sólida. Na verdade, cada um tem um perfil radicalmente distinto um do outro. Elio é um adolescente intelectualizado, de compleição magérrima e personalidade reservada. Já Oliver é extrovertido, atlético, com rosto, voz e cabelo perfeitos, o exato oposto de Elio, e os dois acabam formando dois estilos de beleza e sensualidade masculinos bem específicos, distintos e, honestamente, clichês. Essa “atração de opostos” poderia parecer horrivelmente forçada, mas a verdade é que o roteiro é tão competente ao conceber o romance entre eles e a química entre os atores é tão perfeita, que compramos sem questionar esse caso de amor que parece ter sido feito sob medida para encantar a públicos de quaisquer orientações sexuais sem causar desconforto a ninguém. 

 

Me Chame Pelo Seu Nome tem, assim, o imenso mérito de sobreviver a todos os possíveis artifícios que poderiam torná-lo um filme insípido e ser um filme verdadeiramente adorável, belo, sensual e agridoce. E talvez a grande declaração política de Guadagnino neste filme tenha sido justamente a ausência de uma. Ao mostrar um romance entre homens sem ataques homofóbicos, sem vergonha (no melhor dos sentidos), onde o jovem Elio ainda pode contar com os melhores pais do mundo para apoiá-lo, Guadagnino cria um idílico mundo ideal onde um amor é apenas um amor, que já pode ser belo e sofrido o suficiente, sem o peso que a sociedade impõe.

COTAÇÃO: 

 

ME CHAME PELO SEU NOME (Call Me By Your Name, 2017)

Com: Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Amira Casar e Esther Garrel.

Direção: Luca Guadagnino          

Roteiro: James Ivory, baseado no livro de André Aciman

Fotografia: Sayombhu Mukdeeprom

Montagem: Walter Fasano

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Melhor filme

Melhor ator: Timothée Chalamet

Roteiro adaptado: James Ivory, baseado no livro de André Aciman

Canção original: "Mystery of Love" por Sufjan Stevens

Os Filmes do Oscar: DUNKIRK – oito indicações

Por Ricky Nobre

Mal a Segunda Guerra Mundial começou e ela já teve um de seus momentos mais tensos. Em maio de 1940, cerca de 400 mil soldados, entre franceses e quase toda a Força Expedicionária Britânica, se viram encurralados na cidade de Dunquerque pelas forças alemães. Com apenas duas semanas no cargo de primeiro ministro, Churchill se via numa posição extremamente delicada (como pode ser visto em outro filme indicado ao Oscar, A Hora mais Escura). Graças à impressionante ousadia da Operação Dínamo, quase mil pequenas embarcações particulares foram empregadas no resgate das tropas, numa manobra extremamente arriscada. Christopher Nolan, em seu primeiro filme baseado em fatos reais, traz seu cinema intelectual e matemático para retratar esse momento crítico da História.

 

Dunkirk é, ao mesmo tempo, a negação e o ápice do cinema de Nolan. Sua estrutura temporal complexa, onde uma semana em terra, um dia no mar e uma hora no ar se interpolam de forma imensamente sofisticada como era de se esperar, é o principal trunfo narrativo e estético do filme. Nolan já jogou com narrativas temporais antes, mas, com certeza, é sua experiência mais sofisticada nesse âmbito desde Amnésia, a pequena obra prima que o colocou no mapa em 2000. 

 

Por outro lado, seus filmes têm, invariavelmente e independente de sua qualidade, roteiros extremamente elaborados do ponto de vista da trama e dos personagens. Não é o caso aqui. Como se tentasse sair do seu próprio lugar-comum, o dos grandes épicos de quase três horas, com diálogos longos e intrincados e tramas que são verdadeiros quebra-cabeças, Nolan constrói Dunkirk como um filme que sequer tem um personagem que se possa considerar um protagonista, embora o soldado interpretado por Fionn Whitehead seja, de certa forma, tratado como tal. Com pouquíssimos diálogos e uma trama de complexidade zero, fica a cargo da construção narrativa todo o mérito e atrativo do filme que totaliza meros 106 minutos de duração, sendo o filme mais curto da carreira do diretor. 

 

Tecnicamente, Dunkirk é o primor que se espera de Nolan. Parte filmado em película IMAX e parte em película 70mm, a produção mantém Nolan em sua paixão em filmar com FILME, em consistente e resoluta rejeição ao digital. Em busca de autenticidade, ele confirma sua predileção por poucos efeitos em CGI e se utiliza de uma enorme quantidade de embarcações e aviões verdadeiros, muitos deles da época. Vários caças spitfires são relíquias legítimas, assim como vários navios e até mesmo, das 100 embarcações pequenas usadas no filme, 12 são relíquias reais que realmente participaram do resgate dos soldados em 1940. Até mesmo miniaturas de aviões pilotadas com controle remoto foram preferidas a efeitos digitais. 

 

A simplicidade extrema da trama acaba apresentando problemas. Em sua alta sofisticação narrativa, o filme acaba por sofrer com personagens que não vão além da profundidade de soldados de chumbo. Com certa frequência, e particularmente em um dos últimos momentos tensos do filme, Nolan aposta em nosso temor pelo destino de seus personagens, mas simplesmente não há identificação possível, nem é razoável a intenção do diretor que o público sinta alívio com a sobrevivência de um personagem específico do qual nada sabemos em detrimento de outros personagens igualmente anônimos que queimam na água. 

 

Nolan, por vezes, perde a mão na construção da tensão, principalmente ao utilizar-se da verdadeiramente abominável trilha musical de Hans Zimmer e Benjamin Wallifisch. Com certa obsessão pela ilusão de crescendo infinito, Nolan tem Zimmer como seu compositor de preferência há vários anos. Aqui, ele chega ao ápice da construção musical com o papel de efeitos sonoros e não oferece qualquer espécie de variação além da progressão de ritmos eletrônicos absolutamente genéricos, sem qualquer instrumentação que se relacione com o período de filme e sem nenhuma variação de acordo com os acontecimentos na tela, onde “mais tensão” vira sinônimo de “mais volume” e o alívio não é musical, mas a ausência abrupta da música. Apenas nos momentos finais, a música muda de tom para um alívio da tensão verdadeiramente musical, mas isso é feito meramente com o uso da peça clássica Nimrod de Elgar, tocada de forma extremamente lenta e com arranjo pobre. 

 

Dunkirk é um filme concebido com um objetivo bastante claro e simples: narrar de forma objetiva uma das operações mais famosas e impressionantes da Segunda Guerra Mundial e, ao fazê-lo, dispensar quaisquer divagações ou distrações, como conjecturar sobre o que é considerado o último grande mistério da Segunda Guerra, que é o porquê de Hitler ter ordenado suspensão dos avanços a Dunquerque. Sequer a presença alemã efetiva no combate tem qualquer espécie de atenção, e a única vez que vemos soldados alemães na tela, eles estão fora de foco. Durante todo tempo, eles estão invisíveis em esquinas ou dentro de caças. Nolan busca o drama humano naquela retirada desesperada proporcionada por cidadãos civis que, numa inversão do lugar comum, zarpam para salvar os militares. A costura das linhas de tempo é primorosa, assim como é apoteótico o encontro das três ao final. Personagens unidimensionais, entretanto, não ajudam nessa tarefa de emocionar o espectador, que acaba mais impactado pela extraordinária reprodução do cenário das batalhas do que pela emoção na tragédia da guerra e na abnegação do heroísmo. É a vitória e o fracasso do cinema-exato de Nolan.

 

COTAÇÃO: 

 

DUNKIRK (2017)

Com: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Tom Glynn-Carney, Tom Hardy, Kenneth Branagh e Cillian Murphy.

Roteiro e direção: Christopher Nolan

Fotografia: Hoyte van Hoytema

Montagem: Lee Smith

Música: Hans Zimmer

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Melhor filme

Diretor: Christopher Nolan

Fotografia: Hoyte van Hoytema

Montagem: Lee Smith

Música: Hans Zimmer

Edição de som: Richard King e Alex Gibson

Mixagem de som: Mark Weingarten, Gregg Landaker e Gary Rizzo

Direção de arte: Nathan Crowley e Gary Fettis

Os Filmes do Oscar: TRÊS ANÚNCIOS PARA UM CRIME – sete indicações

Por Ricky Nobre

Histórias que envolvem crimes violentos, perda de familiares (filhos, principalmente), cobranças a autoridades por falta de resultados e busca por justiça a qualquer preço trazem, invariavelmente, um tom catártico, onde o espectador pode se identificar com a dor do protagonista e embarcar em sua cruzada contra a injustiça e a impunidade. Quem vê o trailer de Três Anúncios para Um Crime e segue pelos primeiros dez minutos de filme tem a impressão de que ele seguirá esse caminho, apenas com a adição de certo humor mordaz. Mas é aí que ele começa numa ininterrupta subversão de expectativas que se espalha por todos os personagens. 

 

Após quase um ano do estupro e morte da filha, Mildred (Frances McDormand) expõe em três outdoors sua revolta com o xerife Willoughby (Woody Harrelson) pela absoluta ausência de qualquer resolução para o caso. Ela passa a enfrentar não apenas a hostilidade da polícia, mas também da população, que tem o xerife em alta conta. 

 

Cada personagem vai sendo apresentado segundo seus clichês previsíveis: a mãe revoltada com a impunidade, o xerife que não aceita críticas, o policial racista e violento, e por aí vai. Mas não demora muito para camadas serem adicionadas aos personagens, uma a uma, e elas não param de se sobrepor até o fim dos 115 minutos de projeção. O diretor e roteirista Martin McDonagh, com impressionantes coragem, sensibilidade e inteligência, comanda um elenco excepcional e não deixa nenhuma primeira impressão sem um segundo ou terceiro ponto de vista. 

 

Mais do que apenas um roteiro imprevisível pelos “pontos de virada”, McDonagh constrói seu filme com interesse específico nos personagens e contraria as expectativas do público não como um simples recurso narrativo, mas para explorar a humanidade de todos na tela. Talvez o único personagem que não vá além do simples clichê cômico inicial seja a namorada teen do ex-marido, mas é perfeitamente compreensível dada sua inexpressividade dentro da trama. 

 

Num filme com uma veia cômica tão bem marcada, o drama, a culpa e sucessivos socos no estômago do espectador se sucedem sempre surpreendendo, pegando o público “de calças na mão”, seja por um ato de ódio declarado, seja por um gesto de bondade e altruísmo totalmente inesperado. Aparentemente despretensioso, Três Anúncios para Um Crime é um filme profundamente HUMANO como raramente se vê. 

 

COTAÇÃO: 

 

TRÊS ANÚNCIOS PARA UM CRIME (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, 2017)

Com: Frances McDormand, Sam Rockwell, Woody Harrelson, Zeljko Ivanek, Lucas Hedges e Peter Dinklage.

Roteiro e direção: Martin McDonagh

Fotografia: Ben Davis

Montagem: Jon Gregory

Música: Carter Burwell

INDICAÇÕES AO OSCAR:

Melhor filme

Atriz: Frances McDormand

Ator coadjuvante: Sam Rockwell

Ator coadjuvante: Woody Harrelson

Roteiro original: Martin McDonagh

Música original: Carter Burwell

Montagem: Jon Gregory